Es lamentable que los alumnos tengan que llegar a esto para ser escuchados. La Escuela históricamente formó maestros de Educación Plástica, es verdad que los tiempos cambian y tal vez sea necesario un cambio en el plan de estudios, pero quién mejor para proponerlo que aquellos que estudian y aquellos que se formaron en ella. Docentes y alumnos de la Belgrano siguen con la toma y proponen actividades para el verano; en el blog hay más información.
Actividades de Enero 2009
LA ESCUELA Y LA TOMA VIVEN! Y QUE EL CALOR NOS INSPIRE!
A LA ESCUELA EN VERANO!!!
Este miércoles a las 20 hs asamblea general!!!!!! (Cómo venimos, cómo vamos)
...durante todo Enero:
DE LUNES A VIERNES
De 10 A 13 hs…ABIERTA LA INSCRIPCION al ciclo 2009:
TALLERES ABIERTOS A LA COMUNIDAD:
*GRABADO Y SERIGRAFIA Lunes15hs
*TANGO Jueves 18.30 HS
*CAPOEIRA Viernes 21 HS
…y LOS TALLERES DE GRABADO, DIBUJO, PINTURA Y ESCULTURA, están a disposición del creador…. TODOS LOS DIAS
La escuela está tomada, por los estudiantes. La escuela esta abierta para crear.
Los talleres están abiertos, podes venir a estampar tranquilo, las prensas y las tintas están disponibles para todos. Podes venir a esculpir o a modelar libremente, a dibujar o pintar sobre los atriles de la escuela. El espacio, como ya dijimos está a disposición del creador.
Estar y permanecer en la escuela es lo que hace que esté viva, que seamos parte. Por eso es que la defendemos, porque no queremos que se cierre. Y estamos aquí, en la Belgrano, para permanezca abierta, llena de vida y colores.
VENI A APRENDER JUNTO A NOSOTROS en WENCESLAO VILLAFAÑE 1342
SUMATE A NUESTRA LUCHA POR EL PROFESORADO YA!!!!
EN LA MANUEL BELGRANO!!!
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viernes, 16 de enero de 2009
miércoles, 30 de julio de 2008
Taller de Berta Nun de Negro
La autora de este libro (el último) y de otros muy interesantes para los docentes de Educación Plástica, va a estar dictando un taller dentro del programa "entre docentes" a cargo del gobierno. Se entregan certificados de asistencia, es totalmente gratuito y hay un espacio para los docentes que asistan con sus hijos.
viernes, 4 de julio de 2008
Exposición del artista mexicano Rodolfo Morales
Los Sueños de Morales
Museo Fernández Blanco
Todos los días, 10 a 19 hs. Gratis
Suipacha, 1422. Tel:4327-0272/0228
Cómo llegar: colectivos 17, 45, 56, 59, 6, 67, 70, 86, 91, 100, 105.
El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y la Embajada de México presentan la exposición “La magia de los sueños”, del artista mexicano Rodolfo Morales.
"La Magia de los sueños” está compuesta por más de 30 obras -óleos, litografías y un textil- y permanecerá abierta al público hasta el domingo 6 de julio. El universo de Morales está conformado por paisajes, niños, adultos, arquitectura, que plasman el sentir de este artista oaxaqueño, su intimidad y sus vivencias familiares. La dualidad y los colores juegan un papel primordial, despertando sentimientos contradictorios como la felicidad y la tristeza.
Rodolfo Morales (1925-2001). Nació en Ocotlán de Morelos, Oaxaca. Se formó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos, en la Ciudad de México, es considerado como uno de los más grandes pintores de la Escuela Mexicana. Su obra ha sido expuesta tanto en importantes espacios culturales de México como del mundo.
wwww.museos.buenosaires.gov.ar
Museo Fernández Blanco
Todos los días, 10 a 19 hs. Gratis
Suipacha, 1422. Tel:4327-0272/0228
Cómo llegar: colectivos 17, 45, 56, 59, 6, 67, 70, 86, 91, 100, 105.
El Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y la Embajada de México presentan la exposición “La magia de los sueños”, del artista mexicano Rodolfo Morales.
"La Magia de los sueños” está compuesta por más de 30 obras -óleos, litografías y un textil- y permanecerá abierta al público hasta el domingo 6 de julio. El universo de Morales está conformado por paisajes, niños, adultos, arquitectura, que plasman el sentir de este artista oaxaqueño, su intimidad y sus vivencias familiares. La dualidad y los colores juegan un papel primordial, despertando sentimientos contradictorios como la felicidad y la tristeza.
Rodolfo Morales (1925-2001). Nació en Ocotlán de Morelos, Oaxaca. Se formó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos, en la Ciudad de México, es considerado como uno de los más grandes pintores de la Escuela Mexicana. Su obra ha sido expuesta tanto en importantes espacios culturales de México como del mundo.
wwww.museos.buenosaires.gov.ar
sábado, 14 de junio de 2008
Catálogo
Este es el catálogo de una excelente muestra realizada en Fundación Proa, para aquél que no pudo ir, es una buena opción.
Este libro presenta un conjunto de textos y fotografías que dan un panorama de las culturas prehispánicas que habitaron nuestro continente durante siglos. Los textos que acompañan, escritos por dos personalidades destacadas de la arqueología contemporánea, brindan una visión sobre los usos y costumbres, lugares y reflexiones de la vida cotidiana de las civilizaciones desaparecidas. El cuerpo de ilustraciones muestra el arte de estas culturas que causa admiración y asombro. Tanto la presencia de la Cabeza Colosal Olmeca 9, que sugiere una sutil sonrisa, como de las piezas donde la “magia de la risa” está presente, nos brinda una nueva lectura del pasado. El patrimonio reproducido en este libro y presentado en Fundación Proa de Buenos Aires durante la temporada 2004, pertenece al Museo de Antropología de Xalapa, Veracruz. Esta edición bilingüe aporta y enriquece los estudios arqueológicos realizados hasta el presente y fascina al lector en la contemplación de este destacado e importante arte latinoamericano. 112 páginas
jueves, 1 de mayo de 2008
Entrevista a Luis Felipe Noé
Organicé la exposición colectiva "Pintura sin pintura" -en el Centro Cultural de España, a fines del año pasado- justamente porque creo que la pintura es el arte de la imagen, más allá del medio que se utilice: el grabado, la pintura, el arte digital.La fotografía, cuando supera el mero registro, es para mí una forma de hacer pintura. Si el color está trabajado, si está trabajando el claroscuro, si uno propone una imagen... Eso es pintura. En los concursos suele haber discusiones realmente bizantinas. Hay obras que van, como pelota tonta, del jurado de dibujo al de pintura y viceversa. Si el trazo es finito, es dibujo; si es grueso, es pintura; si es negro y blanco, es dibujo; si tiene rojo ya empieza a ser pintura.Es ridículo.
-¿Esto está ligado a cómo se enseña el arte?-
La enseñanza de la pintura se ha atado demasiado al concepto de enseñar un procedimiento para lograr una imagen: un procedimiento, cuando en realidad, hay muchos. Si una persona hace tapices, no se lo considera pintura, s ino un arte menor. En cambio, si el trabajo es con un pincelito, es arte mayor. El filósofo Ludwig Wittgenstein se preguntaba cómo se podía representar el mundo. Empleaba una palabra, bild, que para mí es fabulosa porque quiere decir, simultáneamente, pintura, imagen y cuadro. Él toma esa palabra para hablar de la representación lógica del mundo.
-¿ Por qué, para usted, el collage es una de las grandes revoluciones del arte del siglo XX?-
Porque frente a la idea de que la imagen se conseguía con líneas y colores en un espacio, el collage agrega la idea de que también se hacen imágenes con otras imágenes. Cambia la idea de procedimiento, de cómo se construye la imagen, y también del concepto mismo de la cosa. Marcel Duchamp, por ejemplo, agarra un urinario, lo da vuelta y lo muestra como una fuente. Estéticamente, en el sentido de las formas, es una obra perfecta. Trasladó el urinario desde un espacio a otro; lo recortó del baño y lo pegó en una galería: eso es un collage. ¿Y qué es el arte digital sino un collage? Apollinaire ya decía, en tiempos de los cubistas, que la pintura puede hacerse con cualquier cosa "con pipas, con estampillas de correo, con naipes, con candelabros, con trozos de hule, con periódicos, con materia fecal, con sangre".
- ¿Es la misma técnica de collage de las actividades prácticas de la escuela?-
Las maestras jardineras, cuando tienen una buena preparación, son grandes profesoras de arte. Enseñan a los chicos una cantidad de procedimientos que más de un pintor quisiera saber. Les enseñan a ver, a jugar con la imagen.Los mejores críticos de arte que hay son los chicos, porque no vienen con preconceptos. Un chico nunca te va a preguntar: ¿y esto qué representa? La persona grande tiene prejuicios que el chico aún no elaboró: que el urinario debe estar en el baño, por ejemplo. Conozco muchas maestras que son excelentes para suscitar el trabajo de los chicos, porque no tienen el prejuicio de que hay que dibujar muy bien. Es importante saber dibujar muy bien, ¿pero para qué? Para competir con la fotografía. Pero hay muchas otras posibilidades de ser de la pintura. No es necesario tener una gran facilidad para el dibujo. Grandes artistas me han dicho que no saben dibujar. Un monigote, si tiene buena línea, es un dibujo; mientras que hay trabajos muy bien hechos desde el punto de vista representativo pero que son un monstruo de dibujo, porque están sucios, porque no tienen línea . ¿Cómo aprende un niño a hablar? Aprende hablando, y luego sabrá qué es un sustantivo, qué es un verbo, qué es un adjetivo. No se enseña así la pintura. Es como si a un chico le taparan la boca y le dijeran: hasta que no sepas gramática, no podés hablar. Entonces cuando lo dejen hablar por primera vez seguramente va a decir: yo soy, tú eres, él es... Ojo, también hay maestros que pueden destrozar la capacidad creativa de un chico. Por eso yo digo, bienvenidas las maestras jardineras que tienen preparación visual y a las que no la tienen lo que les aconsejo es que no intervengan: que los dejen hacer a los chicos.
Son sólo algunas preguntas hechas en esta entrevista que es buenísima, fue publicada en el N°7 del MONITOR DE LA EDUCACIÓN
viernes, 25 de abril de 2008
Marcel Duchamp
Encontré este artículo que es viejo pero valía la pena ya que hay una exposición del artista en FUNDACION PROA
Duchamp, el más influyente
Una consulta entre quinientos notables del arte mundial eligió el mingitorio bautizado Fuente como la obra más importante del siglo XX
A fines de noviembre, un panel de quinientos notables del arte mundial dictaminó que la obra más influyente del arte contemporáneo era Fuente, de Marcel Duchamp. Lo más asombroso no fue que la elección recayera en un orinal firmado. Eso era obvio. Fuente, creada en 1917, es la obra de arte más influyente de la época moderna. Lo sorprendente es que las celebridades hayan tardado tanto en llegar a esa conclusión. Podrían haberla anunciado en cualquier momento del último medio siglo; habría sido tan válida como lo es hoy.
Al decir esto, no pienso en lo evidente. Por cierto, sin el mingitorio no habrían existido la Tate Modern, Nick Serota, Charles Saatchi, el Premio Turner y el arte conceptual. Algunos de ustedes se alegrarán de esto y clamarán por un retorno a la era preorinal. Pero piensen en esto, filisteos: el espléndido orinal también engendró o respaldó a la mitad de los "ismos" de comienzos del siglo XX. Sin él, el surrealismo no podría haber sido lo que fue. Tampoco el dadaísmo, el minimalismo y, sobre todo, el arte pop.
Si eso no los impresiona, vayamos más allá del arte y miremos la vida tal como la conocemos hoy. Si el orinal no hubiese introducido el concepto de conversión radical y, por ende, hallado el modo de tornar inestimable lo inútil, estoy seguro de que hoy no viviríamos en lofts. Los depósitos seguirían siendo tales. Tampoco habría triunfado la estética minimalista y no existirían las estanterías escandinavas ni Hugo Boss, ni aun Ikea. Si rastreamos la genealogía de todo estilo elegante que implique quitar, en vez de añadir, podríamos situar su origen en las líneas puras de aquel orinal.
En el campo de las actitudes, causó un impacto comparable al de una bomba atómica. Dudo seriamente de que los años 60 hubieran podido ser tan insolentes, irreverentes y emprendedores, si el orinal no les hubiese mostrado el camino.
Y si encienden el televisor y ven que alguien intenta venderles algo hablándonos de otra cosa, ¿de dónde creen que viene esa técnica?
Dicho en los términos más crudos: antes del orinal, las cosas miraban hacia atrás; después de él, miraron hacia delante. Así de sencillo.
Muchos detestan todo esto. Preferirían que Serota, la Tate, el orinal, Tracey Emin, etcétera desaparecieran. Pero no se irán. Si ustedes no pueden habérselas con el legado extraordinario de Fuente, les aconsejo entrar en un monasterio o emigrar a Gales porque nunca podrán abrirse paso en el mundo moderno.
Vale la pena relatar, una vez más, la creación y la exhibición (o, mejor dicho, la no exhibición) de Fuente, por cuanto ella esclarece la historia del arte contemporáneo.
Duchamp nació en Francia en 1887, eludió la Primera Guerra Mundial alegando una invalidez fingida y, en 1915, se radicó en Nueva York. Dejó atrás lo que podríamos llamar el viejo mundo del arte: Matisse, Picasso, Braque. Hay quienes se complacen en suponer que esta generación rechazada representa el verdadero espíritu del arte moderno. Pero mientras Braque luchaba en las trincheras, Duchamp divertía a los norteamericanos en los vernissages y se convertía en el líder no elegido de la vanguardia de Manhattan. Diríase que esa guerra que allá, en Francia, diezmaba a su generación no existía para él. Sólo era otra irrealidad conceptual.
Podemos fruncir el ceño ante esta conducta frívola, o bien reconocer en ella una protesta exasperada contra la estupidez de las viejas costumbres. Mientras los alemanes, franceses e ingleses combatían a muerte chapoteando en el barro -¿para lograr qué?- Duchamp aprendía a acostarse con la primera generación de damas que se burló de aquella mentalidad espantosa que había enfrentado a los grandes gallos de Europa. ¿Quién comprendía verdaderamente la situación: Braque o Duchamp?
Salta a la vista que la huida de Duchamp a Nueva York es el acto aislado que mejor simboliza la transferencia del poder cultural de un mundo viejo a otro nuevo. Estados Unidos era "el" lugar. Todo cuanto había allí (rascacielos, autos, cine, insolencia y jazz) produjo nada menos que las invenciones actuales.
Duchamp era francés y, por consiguiente, el paradigma tradicional. El esnobismo lo erigió en el favorito del mundillo artístico de Manhattan. Pero lo maravilloso en él -lo que lo salva, ensalza y singulariza- es la eterna verdad cultural de que se puede sacar a un francés de Francia, pero no a ésta de aquél. Lo fascinante de su estadía en Manhattan es que se rehusó a quedarse sentado, sin hacer nada, y ser "un buen franchute". El placer secreto que sentía al burlarse de ese ambiente pretencioso y superficial fue uno de los principales componentes conceptuales de Fuente.
En 1917, lo eligieron miembro del directorio de una gran exposición de arte progresivo que se estaba organizando por y para todos los artistas independientes de Manhattan. Pretendían que ella fuese el equivalente norteamericano (más grande y mejor hecho) de las famosas exposiciones impresionistas de París que habían adoptado e impuesto ese sistema. Sería la mayor muestra de arte nuevo jamás vista en Estados Unidos.
Una semana antes de su apertura, Duchamp y un par de amigos norteamericanos del ambiente artístico entraron en J. L. Mott Iron Works, un local de venta de sanitarios en la Quinta Avenida. Al francés se le antojó comprar el pequeño y elegante orinal. Ya venía experimentando con cosas hechas: un botellero, una rueda de bicicleta y otros objetos comunes que encontraba en el mundo exterior y atraían su atención. Se llevó el orinal a su casa y lo firmó "R. Mutt", en una tosca distorsión del apellido Mott. Duchamp manejaba medianamente la ortografía del inglés norteamericano, pero sabía que en el lenguaje popular mutt significaba "perro". Luego, a último momento, lo presentó en la muestra de los independientes, pero el jurado lo rechazó. Demostró así la asombrosa presencia de un núcleo duro en su seno, ya que la exposición pretendía mostrar el tipo de arte que el establishment no estaba dispuesto a tolerar. Se armó una gran alharaca, seguida de las habituales disputas entre quienes afirmaban que eso era arte y quienes lo negaban rotundamente.
Duchamp, que no parecía tomar nada en serio, se defendió con una declaración en tono formal, en la que insistía en que lo importante era su decisión de calificar el orinal de obra de arte. En el momento mismo de elegirlo, le había dado otro significado.
Con esto no quiso decir, por cierto, que el orinal fuera una hermosa fusión de formas flotantes, estéticamente perfecta u otra necedad por el estilo, sino que era un objeto extraño, cargado de un surrealismo natural. Fuera de su contexto habitual, y firmado, resultaba de lo más singular. Un detalle cómico: por muchos días, la prensa anduvo buscando afanosamente al misterioso y extravagante artista R. Mutt.
Hay otro hecho que no debemos subestimar. Presentar Fuente en la muestra fue un acto de crueldad deliberada por parte de Duchamp. Un gesto calculado para ridiculizar e irritar al mundillo artístico norteamericano y bajarle un poco los humos. Como francés, si me perdonan la expresión, gozó orinando sobre los yanquis. Cada vez que se saca a relucir la historia del magnífico orinal, se tiende a pasar por alto el hecho sobresaliente de que nunca fue expuesto en la muestra de los independientes. Es el primer ejemplo de la ausencia de una obra de arte imperdible.
¿Qué fue de él? Nadie lo sabe con certeza. Unos dicen que los organizadores de la muestra lo destrozaron. Otros insisten en que Duchamp lo retiró para luego incluirlo en otras exposiciones, todo muy subrepticiamente. Hizo varias copias de él. Pero la versión más impresionante fue una fotografía del gran Alfred Stieglitz, que participó en la broma: la iluminación melodramática le imprime una ironía melancólica.
El orinal sólo ha existido, pues, en nuestra imaginación. Por eso es la obra de arte más influyente de la época moderna y, quizá, de todos los tiempos.
Por Waldemar Januszczak
Para LA NACION - Londres, 2004
Duchamp, el más influyente
Una consulta entre quinientos notables del arte mundial eligió el mingitorio bautizado Fuente como la obra más importante del siglo XX
A fines de noviembre, un panel de quinientos notables del arte mundial dictaminó que la obra más influyente del arte contemporáneo era Fuente, de Marcel Duchamp. Lo más asombroso no fue que la elección recayera en un orinal firmado. Eso era obvio. Fuente, creada en 1917, es la obra de arte más influyente de la época moderna. Lo sorprendente es que las celebridades hayan tardado tanto en llegar a esa conclusión. Podrían haberla anunciado en cualquier momento del último medio siglo; habría sido tan válida como lo es hoy.
Al decir esto, no pienso en lo evidente. Por cierto, sin el mingitorio no habrían existido la Tate Modern, Nick Serota, Charles Saatchi, el Premio Turner y el arte conceptual. Algunos de ustedes se alegrarán de esto y clamarán por un retorno a la era preorinal. Pero piensen en esto, filisteos: el espléndido orinal también engendró o respaldó a la mitad de los "ismos" de comienzos del siglo XX. Sin él, el surrealismo no podría haber sido lo que fue. Tampoco el dadaísmo, el minimalismo y, sobre todo, el arte pop.
Si eso no los impresiona, vayamos más allá del arte y miremos la vida tal como la conocemos hoy. Si el orinal no hubiese introducido el concepto de conversión radical y, por ende, hallado el modo de tornar inestimable lo inútil, estoy seguro de que hoy no viviríamos en lofts. Los depósitos seguirían siendo tales. Tampoco habría triunfado la estética minimalista y no existirían las estanterías escandinavas ni Hugo Boss, ni aun Ikea. Si rastreamos la genealogía de todo estilo elegante que implique quitar, en vez de añadir, podríamos situar su origen en las líneas puras de aquel orinal.
En el campo de las actitudes, causó un impacto comparable al de una bomba atómica. Dudo seriamente de que los años 60 hubieran podido ser tan insolentes, irreverentes y emprendedores, si el orinal no les hubiese mostrado el camino.
Y si encienden el televisor y ven que alguien intenta venderles algo hablándonos de otra cosa, ¿de dónde creen que viene esa técnica?
Dicho en los términos más crudos: antes del orinal, las cosas miraban hacia atrás; después de él, miraron hacia delante. Así de sencillo.
Muchos detestan todo esto. Preferirían que Serota, la Tate, el orinal, Tracey Emin, etcétera desaparecieran. Pero no se irán. Si ustedes no pueden habérselas con el legado extraordinario de Fuente, les aconsejo entrar en un monasterio o emigrar a Gales porque nunca podrán abrirse paso en el mundo moderno.
Vale la pena relatar, una vez más, la creación y la exhibición (o, mejor dicho, la no exhibición) de Fuente, por cuanto ella esclarece la historia del arte contemporáneo.
Duchamp nació en Francia en 1887, eludió la Primera Guerra Mundial alegando una invalidez fingida y, en 1915, se radicó en Nueva York. Dejó atrás lo que podríamos llamar el viejo mundo del arte: Matisse, Picasso, Braque. Hay quienes se complacen en suponer que esta generación rechazada representa el verdadero espíritu del arte moderno. Pero mientras Braque luchaba en las trincheras, Duchamp divertía a los norteamericanos en los vernissages y se convertía en el líder no elegido de la vanguardia de Manhattan. Diríase que esa guerra que allá, en Francia, diezmaba a su generación no existía para él. Sólo era otra irrealidad conceptual.
Podemos fruncir el ceño ante esta conducta frívola, o bien reconocer en ella una protesta exasperada contra la estupidez de las viejas costumbres. Mientras los alemanes, franceses e ingleses combatían a muerte chapoteando en el barro -¿para lograr qué?- Duchamp aprendía a acostarse con la primera generación de damas que se burló de aquella mentalidad espantosa que había enfrentado a los grandes gallos de Europa. ¿Quién comprendía verdaderamente la situación: Braque o Duchamp?
Salta a la vista que la huida de Duchamp a Nueva York es el acto aislado que mejor simboliza la transferencia del poder cultural de un mundo viejo a otro nuevo. Estados Unidos era "el" lugar. Todo cuanto había allí (rascacielos, autos, cine, insolencia y jazz) produjo nada menos que las invenciones actuales.
Duchamp era francés y, por consiguiente, el paradigma tradicional. El esnobismo lo erigió en el favorito del mundillo artístico de Manhattan. Pero lo maravilloso en él -lo que lo salva, ensalza y singulariza- es la eterna verdad cultural de que se puede sacar a un francés de Francia, pero no a ésta de aquél. Lo fascinante de su estadía en Manhattan es que se rehusó a quedarse sentado, sin hacer nada, y ser "un buen franchute". El placer secreto que sentía al burlarse de ese ambiente pretencioso y superficial fue uno de los principales componentes conceptuales de Fuente.
En 1917, lo eligieron miembro del directorio de una gran exposición de arte progresivo que se estaba organizando por y para todos los artistas independientes de Manhattan. Pretendían que ella fuese el equivalente norteamericano (más grande y mejor hecho) de las famosas exposiciones impresionistas de París que habían adoptado e impuesto ese sistema. Sería la mayor muestra de arte nuevo jamás vista en Estados Unidos.
Una semana antes de su apertura, Duchamp y un par de amigos norteamericanos del ambiente artístico entraron en J. L. Mott Iron Works, un local de venta de sanitarios en la Quinta Avenida. Al francés se le antojó comprar el pequeño y elegante orinal. Ya venía experimentando con cosas hechas: un botellero, una rueda de bicicleta y otros objetos comunes que encontraba en el mundo exterior y atraían su atención. Se llevó el orinal a su casa y lo firmó "R. Mutt", en una tosca distorsión del apellido Mott. Duchamp manejaba medianamente la ortografía del inglés norteamericano, pero sabía que en el lenguaje popular mutt significaba "perro". Luego, a último momento, lo presentó en la muestra de los independientes, pero el jurado lo rechazó. Demostró así la asombrosa presencia de un núcleo duro en su seno, ya que la exposición pretendía mostrar el tipo de arte que el establishment no estaba dispuesto a tolerar. Se armó una gran alharaca, seguida de las habituales disputas entre quienes afirmaban que eso era arte y quienes lo negaban rotundamente.
Duchamp, que no parecía tomar nada en serio, se defendió con una declaración en tono formal, en la que insistía en que lo importante era su decisión de calificar el orinal de obra de arte. En el momento mismo de elegirlo, le había dado otro significado.
Con esto no quiso decir, por cierto, que el orinal fuera una hermosa fusión de formas flotantes, estéticamente perfecta u otra necedad por el estilo, sino que era un objeto extraño, cargado de un surrealismo natural. Fuera de su contexto habitual, y firmado, resultaba de lo más singular. Un detalle cómico: por muchos días, la prensa anduvo buscando afanosamente al misterioso y extravagante artista R. Mutt.
Hay otro hecho que no debemos subestimar. Presentar Fuente en la muestra fue un acto de crueldad deliberada por parte de Duchamp. Un gesto calculado para ridiculizar e irritar al mundillo artístico norteamericano y bajarle un poco los humos. Como francés, si me perdonan la expresión, gozó orinando sobre los yanquis. Cada vez que se saca a relucir la historia del magnífico orinal, se tiende a pasar por alto el hecho sobresaliente de que nunca fue expuesto en la muestra de los independientes. Es el primer ejemplo de la ausencia de una obra de arte imperdible.
¿Qué fue de él? Nadie lo sabe con certeza. Unos dicen que los organizadores de la muestra lo destrozaron. Otros insisten en que Duchamp lo retiró para luego incluirlo en otras exposiciones, todo muy subrepticiamente. Hizo varias copias de él. Pero la versión más impresionante fue una fotografía del gran Alfred Stieglitz, que participó en la broma: la iluminación melodramática le imprime una ironía melancólica.
El orinal sólo ha existido, pues, en nuestra imaginación. Por eso es la obra de arte más influyente de la época moderna y, quizá, de todos los tiempos.
Por Waldemar Januszczak
Para LA NACION - Londres, 2004
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